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La arquitectura no solo es arte, sino también un homenaje a la creatividad colectiva y al proceso creativo en su totalidad. En este ámbito, la búsqueda de la perfección no es el objetivo principal; más bien, se valora el proceso mismo. Desviarse de este proceso significa perder el rumbo y cometer errores, mientras que derivar implica surgir de una fuente con una regla de inicio y luego seguir variaciones según un patrón. Este proceso puede ser tanto secuencial como paralelo, donde una forma se genera a partir de algo más orgánico. La arquitectura no se limita a ser una expresión individual, sino que es un producto del trabajo colaborativo y del continuo flujo creativo que le confiere su verdadero valor. En este contexto, mientras que el Guggenheim de Nueva York establece un precedente con su morfología autogenerativa, el diseño del Guggenheim de Bilbao se destaca por su enfoque aditivo y la coherencia de sus partes.

Tanto el Guggenheim de Nueva York como el Guggenheim de Bilbao son emblemáticos en el mundo de la arquitectura contemporánea, aunque presentan diferencias significativas. En primer lugar, ambos museos siguen normas arquitectónicas, pero se diferencian en su proceso creativo. El Guggenheim de Nueva York, diseñado por Frank Lloyd Wright, se caracteriza por su morfología distintiva en forma de espiral, que identifica sus propias leyes y se autogenera a partir de un diseño orgánico. En contraste, el Guggenheim de Bilbao, diseñado por Frank Gehry, sigue un proceso creativo aditivo, donde se une una variedad de partes singulares para crear un todo coherente. Además, mientras que el Guggenheim de Nueva York es una unión impura de elementos singulares que forman una composición escultural, el diseño de Gehry en Bilbao representa una unión ideal de partes coherentes que se integran armónicamente en su entorno. En resumen, aunque ambos museos son ejemplos destacados de la arquitectura contemporánea, difieren en su enfoque creativo y en la manera en que integran las normas arquitectónicas y la morfología en sus diseños.

El capítulo "La unión de partes diversas como método y como principio en la obra de Alvar Aalto" del texto La Arquitectura Compuesta, explora la arquitectura de Aalto, destacando su enfoque en la composición de elementos diversos para crear un todo coherente. Aalto empleaba una variedad de materiales y técnicas de construcción, fusionando formas orgánicas con funcionalidad moderna. Su método de diseño involucraba la integración de diferentes partes en armonía, permitiendo la flexibilidad y adaptabilidad de sus estructuras. Este enfoque se refleja en su uso innovador de materiales naturales y técnicas de construcción, así como en su atención a la relación entre el edificio y su entorno. Aalto creía en la importancia de la integración holística de las partes en la arquitectura, lo que se manifiesta en su obra a través de una estética única y una funcionalidad cuidadosamente considerada.

Igualmente, la exposición "The EY Exhibition: The Making of Rodin" se centra en la importancia del yeso en la obra de Auguste Rodin, destacando su trabajo revolucionario en la escultura a finales del siglo XIX y principios del XX. Aunque es conocido principalmente por sus esculturas en bronce y mármol, Rodin trabajó también como modelador, utilizando materiales maleables como la arcilla y el yeso para capturar el movimiento, la luz y el volumen. La exhibición recrea el ambiente del estudio del artista, mostrando cómo experimentaba continuamente con la fragmentación, la repetición y la unión de partes existentes de formas poco convencionales. Además de explorar el proceso creativo de Rodin, la exposición examina las dinámicas complejas del taller, así como las relaciones entre el artista y sus modelos y colaboradores, incluyendo a Camille Claudel, Ohta Hisa y Helene Von Nostitz.

"The Whole is the Untrue" es un concepto que enfatiza la necesidad de la fragmentación en la comprensión de la realidad, particularmente como teorizado por Theodor Adorno. Esta idea sugiere que intentar abarcar la totalidad de una situación o fenómeno conduce a una comprensión incompleta o distorsionada. En cambio, al centrarse en fragmentos o aspectos individuales, se puede lograr una comprensión más matizada y precisa. Adorno argumentó que la sociedad moderna, con su naturaleza compleja y fragmentada, no puede ser capturada ni representada completamente por narrativas generales o teorías grandiosas. En su lugar, abogó por un enfoque que abrace la naturaleza fragmentaria de la realidad y busque descubrir las complejidades ocultas dentro de ella. En esencia, "el todo es lo falso" subraya la importancia de reconocer y comprometerse con la naturaleza fragmentaria de la realidad para obtener una comprensión más profunda del mundo que nos rodea.